Programa 7 de Abril de 2018

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Una pequeña historia de la música que nos interesa al inicio del programa cada semana. Hoy recordamos cómo el cantante escocés Kal Swan emigraba a Los Ángeles en mitad de los ochenta para buscar fortuna y explotar su imagen de rutilante rock-star. Allí se encontró con el guitarrista Doug Aldrich y juntos montaron una banda de hard rock llamada Lion. Con suerte dispar a primeros de los noventa la pareja retomaría su carrera, ahora bajo el apelativo de Bad Moon Rising. Aunque lo cierto es que musicalmente pocas cosas habían cambiado. Bad Moon Rising alcanzó cierto estatus en Japón con su hard rock de cabellos impolutos, pero con cierto marchamo europeo. La década de los 90 avanzaba y los sonidos limpios fueron barridos por opciones musicales más corrosivas, así que Bad Moon Rising probaron a adaptar su propuesta a los nuevos tiempos y de ahí surgió un disco como “Opium For The Masses”, mucho más combativo filosófica y sónicamente, con una actitud que ponía tierra de por medio con respecto a lo que habían hecho anteriormente…

Tras la disolución de Bad Moon Rising sus líderes, Kal Swan y Doug Aldrich tomaron caminos muy diferentes. El primero prácticamente dejo la actividad musical, y sin embargo Aldrich no ha parado de ser parte importante en grupos de prestigio como Dio o Whitesnake. Después del verano lo escuchábamos con sus melódicos Revolution Saints, y ahora lo hacemos gracias a otra de las bandas que ocupa su tiempo en estos días: The Dead Daisies. El grupo formado por el cantante Jon Stevens y el guitarrista David Lowy en 2013 ha pasado por muchos cambios de formación en pocos años. Lowy es el único que queda desde el principio. Ahora se ve acompañado de nombres insignes como el propio Doug Aldrich, Jon Corabi ex de Motley Crue a la voz, Marco Mendoza otro ex componente de Whitesnake entre otros muchos al bajo o la última adquisición: Deen Castronovo a la batería, compañero de Aldrich en Revolution Saints y antiguo miembro de Journey o Bad English. Formación de prestigio y nuevo disco titulado “Burn It Down” el cual ve la luz en estos días, poniendo de relieve una vez más todo ese bagaje de hard rock clásico teñido del blues rock más abrasivo. El revival de lo clásico que sigue gozando de buena salud gracias grupos como The Dead Daisies y su estupenda nueva obra…

(Esta semana en Rocktopia: BAD MOON RISING, THE DEAD DAISIES, MARCO MENDOZA, VANDENBERG’S MOONKINGS, BOB KATSIONIS, PHI, MAGNUM y DEMISED)

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Programa 31 de Marzo de 2018

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El disco del recuerdo de la edición de hoy del programa significó la reentré en la industria discográfica de un grupo que dejaba de existir en 1990 y que se llamaba It Bites. Su fugaz irrupción en la escena británica suscitaría odios y devociones a partes iguales, debido a su desacomplejada forma de conjugar elementos de la new wave, del pop y del rock con trasfondo progresivo. Algo que no todo el mundo entendió, pero que hizo que tras su disolución corrieran ríos de tinta hablando sobre un grupo adelantado a su tiempo, y no del todo comprendido. It Bites volvieron en 2008, aunque no con la formación que lo dejó. Lo hicieron con la presencia del guitarrista de Arena, y también guitarrista y vocalista de Kino entre otros, John Mitchell, quien como en él es habitual dejaría su particular sello de progresividad doméstica y ligera, además de esa voz suya, cercana a la de Peter Gabriel. “The Tall Ships” se publicaba hace diez años en lo que parecía un nuevo comienzo para It Bites…

Mitchell ha sido un activo personaje desde su irrupción en la escena británica especialmente a través de Arena. Hace algunas semanas lo escuchábamos en el disco en solitario del Uriah Heep, Phil Lanzon, y hace un poco más de nuevo colaborando en el último álbum del proyecto Frost. Todo eso cuando no había pasado tanto tiempo desde la edición de su último esfuerzo en solitario bajo el nombre de Lonely Robot. El caso es que Mitchell pensó en confeccionar una nueva obra en solitario, pero su sello discográfico le propuso en su lugar recuperar el nombre de Kino. La banda que a comienzos de siglo montara junto a Pete Trewavas de Marillion y su colega en It Bites, John Beck. Mitchell habló con Trewavas y ambos pusieron sobre la mesa varias composiciones que tenían en su fondo de armario preparadas para cobrar vida. Al conjunto de todas ellas, y de alguna más, le han puesto el nombre de “Radio Voltaire” para terminar convirtiéndose en el segundo trabajo de Kino, trece años después de su debut. Ya menos sorpresivo, pero conservando la frescura que Mitchell imprime a todo lo que toca y con el plus que siempre trae consigo la participación de un músico como Pete Trewavas, demasiadas veces a la sombra de otros. Rock progresivo moderno, fácil y espolvoreado de cercanía pop y varios tempos pausados..

(Esta semana en Rocktopia: IT BITES, KINO, MARILLION, JOE SATRIANI, BLACK COUNTRY COMMUNION, PALACE OF THE KING, y BLACK MIRRORS)

Programa 24 de Marzo de 2018

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La década de los noventa fue seguramente la última gran década para la música rock, y quién sabe si para la música popular en general. La última década en la que reinaron sólidamente distintos sub-géneros musicales como el grunge, el rock industrial o el stoner. Uno de las bandas que sentaron cátedra dentro de este último estilo fueron Kyuss y de ellos se desprendió después la formación de Queens Of The Stone Age. Tanto Josh Homme como Alfredo Hernández ya habían militado en Kyuss, pero para el primer disco de Queens Of The Stone Age intentaron refundar los esquemas del stoner rock, añadiendo un aire trance y un pulso que permitieran hacer de aquel rock del desierto algo casi bailable.
El primer álbum de las reinas de la edad de piedra se editaba de forma homónima en septiembre de 1998. Se trataba en realidad del segundo esfuerzo del combo, ya que primero hubo un EP editado cuando aún se hacían llamar Gamma Ray. Afortunadamente la banda de Kai Hansen reclamó los derechos sobre ese nombre, y gracias a ello pasaron a ser, de manera mucho más apropiada, Queens Of The Stone Age. Con Josh Homme haciéndose cargo de voces y de todos los instrumentos excepto la batería, no se trata de un álbum del que rescaten demasiados temas para su repertorio de directo en la actualidad, pero de vez en cuando queda tiempo para repescar una canción del encanto de “Regular John”…

Q.O.T.S.A. tienen mucho que ver con los británicos Tax The Heat. Entre otras cosas han recibido el impulso en sus primeros momentos del gurú del stoner rock Chriss Goss, y Tax The Heat dicen que los californianos son una de sus principales influencias. Influencias también compartidas las de Josh Homme y Tax The Heat, ya que ambos declaran haber reverenciado especialmente a David Bowie durante la consecución de sus respectivos últimos discos.
“Change Your Position” es el segundo trabajo de los británicos de Bristol. Con su primer álbum de hace un par de años nos encandilaron irremediablemente, así que estábamos deseando de volver a escuchar las canciones de estos cuatro rockeros de traje de chaqueta y pelo corto. El veredicto vuelve a ser del todo favorable. Puede ser que su primer disco estuviera ligeramente por encima, pero lo nuevo de Tax The Heat vuelve a rezumar una frescura extraordinaria, estampada en grandes canciones, que es lo que estos tipos saben hacer con tanta naturalidad. Combinando el pasado y el futuro del rock sin demasiadas etiquetas y no exento de sentido del humor. Voces distorsionadas y riffs de guitarra definitivos…

(Esta semana en Rocktopia: QUEENS OF THE STONE AGE, TAX THE HEAT, THUNDER, KRISS BARRAS, FABRIZIO LEO, VUUR, SCARDUST y OCEANS OF SLUMBER)

Programa 17 de Marzo de 2018

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Después de una vida de excesos llevados casi hasta el límite, el momento de la redención llegaba para Motley Crüe cuando sus componentes decidieron aparcar sus vicios más autodestructivos y embarcarse en una cruzada por mantenerse sobrios y frescos. El primer álbum de Motley Crüe bajo esas premisas de salud y estabilidad mental sería su quinto trabajo, editado al final del verano de 1989. Con la producción de Bob Rock y la grabación en uno de los estudios de moda en aquella época, los Little Mountain de Vancouver, “Dr. Feelgood” trajo a unos Crüe tan insolentes y gamberros como de costumbre, sin perder la espontaneidad, pero con el plus que les otorgaba el ser conscientes de sus actos. Álbum de platino por partida séxtuple en Estados Unidos y más de siete millones de copias vendidas en todo el mundo les dieron la razón. Los reyes del glam metal se coronaban una vez más con temas autobiográficos, como el que daba título al álbum. Nombrado como la célebre banda británica de los setenta, pero que en realidad versaba sobre un camello; o el tema “Kickstart My Heart”, en el que Nikki Sixx ponía de manifiesto una de sus experiencias más extremas, cercana a la muerte debido a una sobredosis…

Podría resultar extraño pensar que el “Kickstart My Heart” de Motley Crüe posee un punto de conexión con una banda como Between The Buried And Me. Pero así es. Lo sabemos desde que ellos mismos incluyeran esa canción dentro de su álbum de versiones homenaje a algunos de sus temas favoritos. Y es que así son Between The Buried And Me: impredecibles, heterogéneos y brutales.
El cuarteto de Carolina del Norte edita en estos días “Automata: 1”, el primero de dos discos -el segundo de los cuales verá la luz en verano-, que completan un álbum doble conceptual que trata de temas muy en boga, similares a las cuestiones tecnológicas planteadas por series de televisión como “Black Mirror”. ¿Qué pasaría si los sueños se pudiesen retransmitir con el propósito de entretener? ¿Podrías consumir los pensamientos más íntimos de otra persona en la pantalla?. Cuestiones trasladadas con la sofisticación y la técnica de estos excelentes músicos que combinan ese virtuosismo, con las voces guturales y los pasajes devastadores a los que nos tienen acostumbrados. El ying y el yang del arte reivindicando la belleza de lo delicado, pero también de lo brutal…

(Esta semana en Rocktopia: MOTLEY CRÜE, BETWEEN THE BURIED AND ME, STRUCTURAL DISORDER, ANGEL VIVALDI, ANGRA, OPERATION: MINDCRIME, JUDAS PRIEST y EMBOQUE)

Programa 10 de Marzo de 2018

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Historias de OVNIs para abrir la edición de hoy del programa a través de nuestro habitual disco del recuerdo. Hoy reivindicamos el pasado oscuro de una banda legendaria como UFO. Ellos abanderaron el hard rock más tradicional británico a partir de su tercer disco de estudio, pero los primeros años del grupo no habían seguido esos derroteros. Antes de la transformación y bajo la batuta a la guitarra de Mick Bolton, UFO editaban dos LPs en los que la vanguardia y la experimentación eran parte indispensable de su idiosincrasia. Eran tiempos de creativa agitación y eso se plasmó ya en su primer álbum denominado simplemente “UFO 1”. Las versiones de nombres del Rock and Roll y el Blues como Eddie Cochran o de Bo Diddley convivían con sus propias canciones, atraídas por la psicodelia y las probaturas con distorsiones e imágenes estéreo. En 1970 se publicaría el disco de debut de UFO. Sin demasiado tirón en su país, pero llegando al Top-30 de ventas en Alemania y también con repercusión en Japón. Un álbum que por derecho propio debe entrar en los anales de la historia como disco seminal y parte de los cimientos del heavy rock…

En la metamorfosis que un par de años después sufrió UFO, fue fundamental el concurso de un guitarrista que por entonces no llegaba a la veintena y que se llamaba Michael Schenker. Uno de los guitarristas más importantes de su generación, hombre clave de esa escena europea sobre todo de mitad de los ochenta.
Michael Schenker ha seguido ahí desde entonces, nunca demasiado grande, pero jamás olvidado. Así ha llegado hasta el presente, con ciertos altibajos, pero editando discos en los últimos años del todo respetables. “Resurrection” es el último de ellos, y se edita en estos días. Esta vez bajo el apelativo de Michael Schenker Fest, que se une a la lista de los distintos alias que ha ido acuñando con el paso del tiempo, aunque para la mayoría de los mortales sigue siendo un disco de Michael Schenker. El caso es que bajo ese apodo actual de “Fest” Aparecen los nombres de los vocalistas principales que Schenker ha tenido a su lado a lo largo de su carrera: Gary Barden, Graham Bonnet, Robin MacAuley y el más reciente Doogie White forman el cuarteto de cantantes que se reparten la mayor parte de estas estupendas doce canciones. La maestría de un Schenker que vuelve a sentar cátedra en el arte de escribir riffs de guitarra sencillos y mágicos como sólo el sabe hacer…

(Esta semana en Rocktopia: UFO, MICHAEL SCHENKER, PHANTOM-V, GRAHAM BONNET, COSMOQUAD, DUKES OF THE ORIENT, PHIL LANZON y THRESHOLD)

Programa 3 de Marzo de 2018

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Pocos discos importantes ha habido a lo largo de la historia que hayan gozado del calificativo de “obra maestra” desde el mismo instante de su publicación. Eso pasó con el sexto trabajo de Dream Theater. Como es norma en casi todo lo que hacen, la improvisación tuvo poca cabida en el diseño concienzudo de lo que desde su origen estaba llamado a ser un disco conceptual. Así lo habían programado Mike Portnoy y John Petrucci, y así fue. Utilizando como precuela su propia canción “Metropolis”, el teatro del sueño creó “Metropolis Pt.2, Scenes From A Memory” utilizando como espejo inspirador, el sumatorio de discos conceptuales como “Tommy” de The Who, “The Wall” de Pink Floyd, “Operation: Mindcrime” de Queensrÿche o “Misplaced Childhood” de Marillion. Referencias de dispares estilos que encendieron la llama del que para muchos es el mejor disco de toda la carrera de los reyes del prog-metal. “Scenes From A Memory” representó el primer álbum con Jordan Rudess haciéndose cargo de los teclados. Acababa de llegar, pero todavía tuvo tiempo de hacerse notar, imprimiendo su sello inconfundible a aquellas canciones, devolviendo la compenetración y el protagonismo que el grupo perdió con la marcha de Kevin Moore, y que Derek Sherinnian, a pesar de su indudable clase, no pudo imprimir. Eran nuevos sonidos para Dream Theater. Incluso en muchos casos una nueva manera de hacer las cosas, la cual les acompaña hasta nuestros días.
Una obra sin sombras, en la que las canciones se sucedían sin altibajos, sin rellenos, sólo excelentes temas desenvueltos temáticamente en la historia de una reencarnación. La atormentada regresión hipnótica de Nicholas, el protagonista, que nos conducía a través de pasajes musicales divididos en nueve escenas…

Esta semana, una vez más hemos tenido la fortuna de poder ponernos en contacto con los protagonistas de nuestro “Disco de portada”, para preguntarles cuál querían que fuese ese “Disco del recuerdo” que hiciese las veces de introducción para su propia música. Hablamos con ellos y nos dijeron que “Metropolis Pt.2, Scenes From A Memory” de Dream Theater era su disco elegido. Y ellos son los castellonenses Dry River.
Nos causaron una magnífica impresión con su anterior trabajo, y ahora con su tercera obra parecen haber alcanzado su cenit, por lo menos de momento, porque en el caso de músicos de este bagaje y amplitud de miras el futuro resulta también prometedor.
Hemos tenido que esperar cuatro años a que “2038”, nombre de su nueva entrega, vea la luz. Dry River comenzaron su carrera tras pasar por diferentes grupos y conformar su propio combo de versiones de bandas como los mismos Dream Theater, Deep Purple o Queen, pero también de nombres nacionales como Asfalto o Barón Rojo. Al final su concepto de Rock ecléctico es el vencedor, y hace que todas esas influencias se canalicen a través de su música, probando incluso con el Rock acústico e insuflando a sus textos en muchas ocasiones su mordaz visión del mundo, no exenta de crítica…

(Esta semana en Rocktopia: DREAM THEATER, DRY RIVER, SUPERSCREAM, PROJECT ALCAZAR, HEAVATAR, ROYAL HUNT y ANGEL NATION)

Programa 24 de Febrero de 2018

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Las coordenadas temporales introducidas en nuestra máquina del tiempo, nos transportan esta semana hasta el año 1987, al momento de la publicación de un disco titulado “Wild Frontier”. El álbum que supuso un pequeña revolución dentro del sello que en los trabajos anteriores había acuñado el guitarrista irlandés Gary Moore. Y es que este “Wild Frontier” reivindicaba precisamente ese espíritu irlandés bien entendido del que Moore hacía gala en muchos momentos. Temporalmente quedaba de lado el hard rock europeo de alta escuela, para concebir un disco que aunaba la tradición musical y social de una temática territorial complicada, y por otro la investigación tecnológica que le llevaron a Moore a emplear secuenciadores en lugar de baterías reales, y demás herramientas de grabación de nueva hornada de la época.
Hubo polémica. Muchos pensaron que Gary Moore se estaba desvinculando de sus raíces, pero muy al contrario “Wild Frontier” era un guiño al pasado folclórico del que nunca quiso separarse. Además el tiempo le dio la razón, y aquel disco de 1987 se convertiría en su trabajo más vendido hasta ese momento…

Como sucede en las ocasiones que tenemos oportunidad para ello, el disco del recuerdo de esta semana es la elección personal de la banda que va a ser protagonista hoy de nuestro disco importante. Hace algunos días nos poníamos en contacto con los suecos Reach y ellos amablemente nos comentaban que ese “Wild Frontier” de Gary Moore es uno de sus discos de cabecera, y no en vano ellos mismos tienen una banda paralela de tributo al guitarrista irlandés.
Reach nacieron en 2012 y tres años después lanzaban su disco de debut, el cual siendo un álbum muy decente no los diferenciaba de otros tantos grupos de su procedencia y edad. Salieron de gira con Eclipse; tocaron aquí y allá, y poco más tarde separaron sus caminos de los del cantante Alex Waghorn. Reach quedaban conformados como trío, con el peso de la voz y de la composición en el hasta entonces sólo guitarrista Ludvig Turner. A partir de ahí y hasta la consecución de su flamante y nuevo “The Great Divine”, todo ha sido evolución. Romper cadenas con un pasado más conservador, para entrar en territorios de mucho mayor empaque, modernidad y desde luego originalidad. El espectro de Reach se ha expandido hasta límites inesperados para entregarnos un trabajo inteligente y sofisticado, en el que la variedad está a la orden del día. Sin abandonar su origen melódico, pero haciendo acopio de nuevas y potentes armas además de algún guiño Pop…

Programa 17 de Febrero de 2018

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Materia de historia basada en los primeros años de siglo dentro de un movimiento ciertamente saludable y diverso como el brasileño. Bandas como Sepultura o Angra abrieron el camino y otros contemporáneos suyos tardaron un poco más en encontrar su vía de escape, como es el caso de Khallice. Ellos comenzaron su carrera en 1994 como banda de versiones de Rush, Pink Floyd, Led Zeppelin y Deep Purple. Después de años trabajándose una reputación en su zona, al final de 2001 entrarían en estudio para registrar “The Jouney”, su primer álbum, que vio la luz casi dos años después debido a diversos problemas. Las cosas no estaban yendo a la perfección para la banda de Brasilia. Un cambio de suerte se atisbaba cuando en tan sólo seis meses se agotó la primera tirada del disco. Pero todo parecía ir demasiado despacio. En 2007 la reputada y muy activa por entonces discográfica Magna Carta, puso sus ojos en ellos para reeditar su primer disco. Canciones para las que el tiempo había pasado, pero que les valieron para ser elegidos como teloneros de Dream Theater en su tour brasileño de 2008. Más tarde el líder del grupo, Marcelo Barbosa, pasó a formar parte de la banda del ex cantante de Angra, Edu Falaschi, y todo llegó a su fin…

Así que Marcelo Barbosa es un viejo conocido para todos, y el último guitarrista en incorporarse a la disciplina de sus compatriotas Angra. Barbosa debuta discográficamente con ellos en su nuevo lanzamiento. “Omni” es el noveno disco de Angra, y ha sido fenomenalmente producido de nuevo por Jens Bogren en Suecia. Ha contado con colaboraciones como la de la cantante de Arch Enemy, Alissa White-Gluz, y nos trae a unos Angra exponiendo una vez más esos argumentos que los han acompañado casi siempre, con leves variaciones, pero siguiendo su línea habitual. Un poco de power metal aquí, un poco de metal melódico allí, incursiones en territorios progresivos, épica y los guiños que de vez en cuando la banda de Rafael Bittencourt ha hecho a la música tradicional brasileña.
Album conceptual, un conjunto de cuentos cortos de ciencia ficción que conecta los conceptos de discos anteriores como “Holy Land”, “Rebirth” o “Temple of Shadows”. Un disco para no decepcionar a sus fans de siempre. Medido y acabado al detalle…

(Esta semana en Rocktopia: KHALLICE, ANGRA, LIONE-CONTI, THERION, MARTY FRIEDMAN, GALACTIC COWBOYS, TY TABOR y RADIO MOSCOW)

Programa 10 de Febrero de 2018

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La bulliciosa corriente musical que supuso en el Reino Unido la NWOBHM tuvo cierto reflejo al otro lado del Atlántico, en una escena norteamericana con bandas de menor calado, pero que permitieron el resurgimiento revitalizado del heavy metal como movimiento global. Uno de los grupos de culto de aquella época en California se llamaba Armored Saint. La imagen de sus inicios los hacía aproximarse a la filosofía de bandas como Virgin Steele o Manowar, aunque pronto se separarían de esas directrices, cuando las armaduras y las espadas fueron dando paso a las tachuelas y el cuero negro.
Ellos no pudieron beneficiarse del respaldo de una escena propiamente dicha alrededor, ya que sus coetáneos andaban más interesados en cimentar los orígenes de thrash o en continuar con el glam o el sleazy, así que Armored Saint eran de alguna manera unos incunables, con su estilo de metal clásico de sonoridad muy europea.
Después de un discreto mini-LP para el legendario sello Metal Blade, “March Of The Saint” se constituía como su primer trabajo, grabado además para otro sello independiente pionero, pero británico como Chrysalis.
Como ocurre tantas veces, Armored Saint terminaron siendo más conocidos cuando su vocalista John Bush pasó a formar parte de Anthrax. Unos Armored Saint que lo dejaron en 1992, pero que volvieron en el 99 y que desde entonces han seguido tocando de vez en cuando y grabando discos en los últimos años…

John Bush representa una de las variopintas colaboraciones que ha tenido a lo largo de su existencia una banda de corte muy diferente como Long Distance Calling. Eso da una idea de la apertura de mente de estos alemanes cuyo post rock progresivo instrumental, encuentra excusa para mimetizarse con otras propuestas alejadas de la suya, e incluso para contar con vocalistas de vez en cuando. De hecho “Boundless”, nombre de su nueva obra, representa su primer disco instrumental en cinco años, después de que sus dos últimos álbumes contaran con cantante titular. Sin embargo, para progresar ellos han dado un paso atrás, y han vuelto a la formación con la que más a gusto desarrollan su música ambiental e hipnótica, considerando que la música sin palabras les facilita aún más su condición de banda sin límites predeterminados…

(Esta semana en Rocktopia: ARMORED SAINT, LONG DISTANCE CALLING, ORPHANED LAND, ALESSIO BERLAFFA, DELTA DEEP, DOWN ‘N’ OUTZ, RIVERDOGS y SAXON.)

Programa 3 de Febrero de 2018

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No es habitual que un álbum recopilatorio de un grupo termine por convertirse en un clásico de la banda. Sin embargo, los padres del ruido metálico, Motörhead, hicieron que muchos quedaran convencidos con la retrospectiva discográfica que significó “No Remorse”. Una colección de canciones muy bien elegidas, que se ampliaba con otros cuatro temas inéditos, que hacían de plataforma de presentación de los nuevos Motörhead en su versión de 1984. Por primera vez, la formación pasaba de tener fisonomía de trío a aparecer como cuarteto, con la incorporación de los guitarristas Phil Campbell y Würzel, además del batería Pete Gill y evidentemente la figura del jefe Lemmy Killmister.
Su compañía de discos lo había preparado todo. Se trataba de un reinicio para la banda británica, mirando al pasado y apuntando al futuro con esas nuevas composiciones y la elaboración de un video-clip del single extraído con el nombre de “Killed By Death”, que entraría en la MTV por todo lo alto, pero después fue censurado alegando escenas de violencia gratuita (nada relevante, y menos con la perspectiva actual), pero al fin y al cabo un contratiempo que no evitó que aquella canción permaneciera en el repertorio del grupo hasta 2014…

Poco queda ya de aquellos extintos Motörhead de 1984. Con la muerte de Lemmy y antes de Würzel y la desaparición total de la banda.
Pertenecer a Motörhead ha sido para muchos de sus miembros, algo más que pertenecer a una banda de rock. Ese es el caso de Phil Campbell, el guitarrista superviviente de aquella formación, y a la postre el último guitarrista de sus historia.
Campbell es carne de escenario. Lo fue durante décadas con Motörhead, y lo quiere seguir siendo ahora con su propio grupo: Phil Campbell and the Bastards Sons. En realidad, los Hijos Bastardos son los tres hijos adultos de Campbell: Tyla, Todd y Dane, en el bajo, la guitarra y la batería, respectivamente, mientras su amigo Neil Starr se encarga de las voces. Todo queda en casa y la honestidad sigue siendo su primer mandamiento, algo que canaliza ahora en un tono musical más hardrockero, pero con un sonido concluyente de producción impecable, para las directas canciones que completan su primer larga duración “The Age Of Absurdity”, sucesor de su EP de debut, editado hace un par de años. Un notable álbum de hard rock palmario y compacto…

(Esta semana en Rocktopia: MOTÖRHEAD, PHIL CAMPBELL AND THE BASTARD SONS, BLACK LABEL SOCIETY, JOE PERRY, TONY MACALPINE, SONS OF APOLLO, JEFF SCOTT SOTO y AMMUNITION)