Programa 2 de Mayo de 2020

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/320Kbps)

Nacido en Barcelona en 1971, Jordi Sandalinas comenzó sus estudios de piano cuando tenía tan solo nueve años, en el Conservatorio Superior de Música de Barcelona. A los dieciséis Jordi cambió su piano por una guitarra eléctrica, cuando terminó por rendirse a su gusto por Iron Maiden. En 1992, se fue a Estados Unidos para estudiar guitarra en el NGSW de New Milford, donde tomó lecciones del virtuoso Terry Syrek. Los proyectos posteriores de Sandalinas no obtuvieron demasiada relevancia. Él seguía trabajando en canciones y grabando maquetas, hasta que casi sin previo aviso, Jordi fue presentado en sociedad a gran escala y con un competente proyecto de banda internacional. Corría el inicio del año 2005 cuando a través de un sello señero como Massacre records se editaba “Living On The Edge”. Un lanzamiento con vocación de expansión multinacional en el que el barcelonés se veía rodeado de nombres como el actual cantante de Spiritual Beggars, Apollo Papathanasio o el guitarrista de King Diamond, Andy Laroque, que hacía las veces de productor de este disco de metal clásico melódico de primer orden, el cual fue aplaudido por la mayor parte de la crítica y que le abrió las puertas de escenarios de toda Europa.

Dentro de la formación que Sandalinas presentó para su primer LP, encontramos al entonces jovencísimo batería Daniel Moilanen. Un reputado percusionista sueco, bastante emparentado con el death metal, pero que en 2015 pasó a formar parte de Katatonia. La banda de Jonas Renske editaba hace unos días su decimoprimer disco de estudio. La ruptura de los suecos con respecto a su pasado -esa brecha con respecto a su propuesta inicial-, se abre aún más si cabe con la presentación de las canciones de “City Burials”. Los medios tiempos inundan los cortes de un álbum amparado en la introspección y cincelado por una producción elegante y cristalina, que deja respirar los universos anteriormente claustrofóbicos, los cuales ahora se tornan ligeros pero igualmente grisáceos y emocionales. La carrera la ganan las texturas y las formas, antes que la intención de que la música te conquiste por su inmediatez…

(Esta semana en Rocktopia: SANDALINAS, KATATONIA, SINISTHRA, ANUBIS GATE, COMPASS, CRYPTEX, SPELL, LUCIFER, LYKANTROPI, AYREON, IAN PARRY, CONCEPTION, HEAT, DYNAZTY, JOE SATRIANI, AXEL RUDI PELL, THE ORDER y MILAN POLAK)

Programa 4 de Abril de 2020

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/320Kbps)

La primera década del nuevo siglo hizo obvia la debacle de las grandes multinacionales discográficas, mientras una pequeña resistencia de sellos independientes, buscaban atraer al público más fiel, intentando burlar la hecatombe propiciada por el definitivo auge de las descargas ilegales de internet. El sello americano Sensory andaba a la caza de nuevos talentos, de alguna banda de las que se tenían buenas referencias en los mentideros prog metaleros más de culto, y así encontraron a Haken. Un reducto de la escena londinense, peleando por hacerse un hueco en su cruzada por la originalidad coherente.
Haken era el nombre de un personaje ficticio que el guitarrista y líder del grupo, Richard Henshall, y sus amigos de instituto inventaron bajo la influencia del alcohol y la marihuana. Todo empezó como un pasatiempo. Se trataba solo de tocar en casa de alguien, pero en poco tiempo sintieron que necesitaban ir más allá. Sus maquetas originaron cierto revuelo en la limitada escena progresiva, hasta que, como decíamos, el sello Sensory puso sus oídos sobre ellos. Firmaron un contrato y a principios de 2010 editaron “Aquarius”. El álbum debut reflejaba los tres años de trabajo de la banda, reclamando atención como uno de los nuevos nombres de metal progresivo, tocando con artistas como King’s X, Riverside o Bigelf. Un álbum conceptual que trataba temas como el calentamiento global…

Después de más de diez años de existencia de Haken, la banda de Londres se ha mostrado como un ente en el que tiene cabida un abanico bastante amplio de posibilidades. Sin embargo su vocalista Ross Jennings ha decidido ampliar su historial con un nuevo proyecto el cual tiene el nombre de Novena. Novena es en realidad una agrupación heterogénea en la que encontramos a miembros de bandas extremas como el segundo cantante Gareth Mason de Slice The Cake u otros de grupos emparentados con el mathcore como No Sin Evades His Gaze o técnicos, melódicos y modernos como Ravenface. Todo mezclado y acicalado da como resultado una propuesta que recuerda a los propios Haken pasados por el tamiz del metal moderno, aunque nada de eso es extraño para ellos.
Después de su debut en forma de EP de hace cuatro años, “Eleventh Hour” se convierte en la confirmación de sus intenciones de perdurar y continuar profundizando en su capacidad para abordar múltiples personalidades: de lo extremo, a lo delicado, y por en medio, incluso un interludio cantado en castellano de salsa latina. Es nuestro disco de portada: Novena.

(Esta semana en Rocktopia: HAKEN, NOVENA, PURE REASON REVOLUTION, INTRONAUT, NEAL MORSE BAND, ISLE OF THE CROSS, MYRATH, ALLEN/OLZON, NIGHTWISH, DEADRISEN, IVANHOE, VINNIE MOORE, MICHAEL SCHENKER FEST, BLACK SWAN, REVOLUTION SAINTS y SILVERTHORNE)

Programa 1 de Marzo de 2020

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/320Kbps)

En 1985, en la ciudad californiana de San Diego, se fundó Pyschotic Waltz, una banda paradigmática de lo que significa ser considerado un grupo de culto. Su arriesgada, convulsiva y matemática forma de entender el heavy metal es también todo un ejemplo de vanguardia en aquellos años poco propicios para esas peripecias. Por si fuera poco su cambio de estilo, en mitad de su carrera les acarreó división de opiniones, tensiones y finalmente la desaparición. Su vocalista era Devon Graves, aunque le gustaba que lo llamaran Buddy Lackey. Psychotic Waltz fueron vistos casi siempre con mejores ojos desde Europa que desde Estados Unidos. Graves decidió quedarse a vivir en Austria y allí formaría al poco tiempo su propia banda, comandada indiscutiblemente por él, y a la que bautizó como Dead Soul Tribe.
En Dead Soul Tribe había muchos jirones de lo que había sido su anterior grupo, aunque Graves le imprimió si cabe un plus de oscuridad y de desesperación. Su primer disco se editó hace ahora 18 años. En él se exponía el universo misterioso y grave del cantante americano, quien ahora hacía las veces de líder absoluto del combo, componiendo, produciendo, cantando y tocando la guitarra, entre otras cosas, para todas las canciones de este disco de debut…

En la memoria de muchos ha quedado el nombre de Psychotic Waltz como símbolo de la vanguardia de relevancia minoritaria, que contribuyó a la evolución del heavy metal en mitad de los 80. Grupos como ellos o como Watchtower fueron pioneros indagando en estilos como el prog metal o el math metal.
Psychotic Waltz decidieron hace 10 años volver a hacer conciertos para giras puntuales o shows concretos. La cosa no parecía que fuese demasiado en serio hasta que anunciaron la edición de “The God-Shaped Void”, nada menos que su primer lanzamiento en 24 años. La duda era saber si optarían por su perfil más enrevesado de sus dos primeros discos o por su personalidad más atmosférica y accesible de sus subsiguientes obras. Y la respuesta a eso se inclina definitivamente hacia la segunda opción. El quinto disco de Psychotic Waltz evoluciona a partir del material más directo en el que se detuvieron. Su acercamiento a la escena europea es ya definitivo, a pesar de que el productor Ulrich Wild se haya hecho un nombre durante las pasadas tres décadas, gracias sobre todo a bandas del entorno del new-metal o metal industrial como Static-X, Deftones, Fishbone o Taproot. Extraña pero efectiva elección para un disco de feliz reencuentro, que ha terminado de perfilar la mezcla del sabio Jens Bogren. Es nuestro disco de portada…

(Esta semana en Rocktopia: DEAD SOUL TRIBE, PSYCHOTIC WALTZ, …AND YOU WILL KNOW AS BY THE TRAIL OF DEAD, PENDRAGON, PACO VENTURA, ÑU, SONS OF APOLLO, ANATHEMA, TARJA, THE NIGHT FLIGHT ORCHESTRA, WE SELL THE DEAD, GUS G., OZZY OSBOURNE, BIFF BYFORD y DEMONS & WIZARDS)

Programa 11 de Enero de 2020

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/192Kbps)

Corría el año 1987. Tiempos en los que el hard and heavy del planeta gozaba de una enorme repercusión. Unos chavales de Karlsruhe se intentaban abrir paso y se presentaron a un concurso de jóvenes talentos organizado por la revista Metal Hammer, que por entonces también andaba en plena época de bonanza. Aquellos chicos ganaron el concurso. Se llamaban Pink Cream 69 y en poco tiempo grabarían su primer disco como parte del premio, nada menos que con el sello multinacional Epic. El álbum se publicó en octubre de 1989. No hubo un gran revuelo a su alrededor, pero sirvió a la banda alemana para abrir las radios y televisiones, además de encontrar, evidentemente, en la revista Metal Hammer un serio apoyo. Era el primer grupo profesional del cantante Andi Deris, quien más tarde pasó a formar parte de Helloween. Con ello hizo que mucha gente se interesase por estos Pink Cream 69. Aunque fue después de su salida del grupo cuando Pink Cream 69 alcanzaron sus principales logros…

Dennis Ward fue también uno de los músicos fundadores de Pink Cream 69. Bajista, pero además, productor, ingeniero y miembro de infinidad de proyectos como Unisonic, Place Vendome o Khymera. Ward anunciaba hace unas semanas su decisión de abandonar Pink Cream 69, decepcionado por la falta de actividad del grupo. Y le ha costado poco encontrar una nueva ocupación, por si le faltaran, ya que Dennis Ward es oficialmente el nuevo bajista de Magnum, con quienes ha grabado su aún sin estrenar nuevo disco.
“The Serpent Rings” se pondrá a la venta dentro de unos días y representa el vigésimo primer disco de estudio de está leyenda viva de la escena musical de Brimingham. La banda capitaneada por Tony Clarkin y encabezada por Bob Catley desde 1972, nos trae un nuevo viaje a esos universos que tan bien anuncia la portada mágica del genial Rodney Matthews.
Clarkin es como de costumbre el encargado de diseñar la dirección musical de su nueva criatura, la cual verá la luz el 17 de enero. Él dice que ya hace mucho tiempo que tienen plena libertad por parte de su sello discográfico, para hacer lo que quieren. Y por eso todos sus fans ya saben que serán fieles a ese estilo de hard rock épico y melódico del cual ellos, Magnum, son fidedignos representantes. El sentido cálido de acercar sus canciones, con ese halo entrañable que siempre han poseído, y que ahora casi se multiplica fruto de su venerable veteranía…

(Esta semana en Rocktopia: PINK CREAM 69, MAGNUM, THE FERRYMEN, VISION DIVINE, GENETICS, HEMINIA, AEON ZEN y SILENT CALL)

Programa Especial Discos Destacados 2019 (II)

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/192Kbps)

Esta es la segunda parte del especial que todos los años por estas fechas dedicamos en dos mitades, a repasar los momentos en los que han sonado en el programa algunos de los mejores discos que han transitado por Rocktopia en los últimos doce meses. ¡Feliz año!

(Esta semana en Rocktopia: ERIC GALES, VIRGIL DONATI, VANDEN PLAS, PAUL GILBERT, EIGHTEENTH HOUR, ASHA y TOOL)

Programa 30 de Noviembre de 2019

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/192Kbps)

Abrimos esta semana Rocktopia con el que para muchos críticos está considerado como uno de los mejores discos de debut de toda la historia del rock, o sea el primero de Van Halen. La banda de colegiales de Pasadena habían pasado de tocar en fiestas de instituto a hacerlo en los clubs de su zona, una y otra vez. Por el camino recabaron los servicios del cantante Dave Lee Roth al que básicamente invitaron al grupo por ser un niño bien con un equipo de sonido de directo más que atractivo. Él fue en realidad quien pensó que el nombre de Van Halen sonaba mejor que Mammoth, que era su anterior apelativo. Probablemente el último gesto de humildad que se le recuerda. El caso es que Gene Simmons de Kiss les echó el ojo, y no paró de echarles también una mano hasta que vio como se editaba su primer álbum. La producción corrió a cargo de Ted Templeman, quien en tan solo dos semanas de grabación real, extrajo de estos chavales desbordados de energía, gran parte de su potencial. Apenas tenían canciones, todas ellas quedaron plasmadas en el disco. Todo era fresco, sin pensamientos preconcebidos, solo una banda deseosa de explotar y dispuesta a hacerlo lo antes posible. Y por su puesto, por encima de todo, la guitarra de Eddie Van Halen. Simplemente el nacimiento de uno de los guitarristas más importantes y, sobre todo, influyentes de la historia del rock. Si Jimi Hendrix había cambiado el concepto de la guitarra eléctrica, Eddie Van Halen fue el encargado de actualizar su legado y ser posiblemente el primer guitarrista de la era moderna. El virtuosismo y la diversión de la mano en un disco indispensable…

Nos encanta en Rocktopia preguntarle a los músicos con qué disco quieren que abramos el programa para introducir su música, y esa elección hecha del primer disco de Van Halen ha sido cosa de nuestro próximo invitado, y uno de nuestros más ilustres escuchantes, el gran Kike G. Caamaño…

Hacía tres años que Kike no nos deparaba nueva música. Ocupado con las ediciones recopilatorias celebrando las tres décadas de existencia de Asha, hemos tenido que esperar hasta ahora para que el músico gallego afincado en Málaga destape una vez más el tarro de las esencias, o mejor dicho, de “sus” esencias. Porque si hay algo que trasciende de manera palmaria en su nuevo “Disclosure Of Technology” es su contundente presencia; su manera hiper reconocible de hacer las cosas, y lo que hace que esta vez eso haya llegado más lejos, es la sensación más o menos fundada de que Caamaño a estas alturas hace ya básicamente lo que le da la gana. Y eso es bueno, porque el talento se explaya a su antojo sin pedir permiso, al margen de gustos o rechazos, filias y fobias.
Lo nuevo de Asha está formado por tan solo seis temas. Muchas veces criticamos las canciones de relleno tan abundantes en los discos hoy en día. Bien, pues Kike va al grano y lo hace sin compromisos predeterminados. Algunas canciones instrumentales, unas extensas y otras no tanto. Grandes desarrollos puntuales, y la voz casi ya imprescindible de Jacob Poulsen, que vuelve a ser capital.
La tecnología, su uso y el de la información. Sus aspectos más oscuros como base del concepto del disco. El viaje espasmódico en el que valles y picos de fiebre musical marcan el destino nunca escrito de estas canciones. Simplemente uno de los músicos más talentosos de nuestro país probando serlo una vez más…

(Esta semana en Rocktopia: VAN HALEN, ASHA, FLYING COLORS, MARCO SFOGLI, SONATA ARCTICA, ECLIPSE y HEAT)

Programa 9 de Noviembre de 2019

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/192Kbps)

Es curioso cómo algunos músicos de capacidades técnicas muy altas se sienten irremediablemente atraídos por el heavy rock. Supongo que la fuerza, la diversión y el dinamismo del estilo están detrás del atractivo que han hecho que un bajista como Jonas Reingold haya acometido, a lo largo de su vida, aventuras como la que se llamaba como su propio apellido o si no, ese otro grupo al cual bautizó como Midnight Sun.
Reingold venía de estudiar arte y música hasta los niveles más altos. Había tocado como parte de una banda formada por miembros de ABBA y también en orquestas de jazz. Pero su espíritu más juvenil le pedía guerra, así que imaginó su propia banda de hard rock junto con el vocalista Pete Sandberg, quien venía de tocar con los melódicos Alien. Así en 1996 se formaban Midnight Sun y unos meses después publicaban su primer disco, bajo el título “Another World”. Un álbum de hard rock melódico, a veces algo neoclásico, con denominación de origen escandinava, vibraciones deudoras de los 80 y por supuesto magnificas líneas de bajo…

Después de Midnight Sun, Jonas Reingold ha ido prestando sus servicios en bandas como The Tangent, Kaipa o sus propios Karmakanic, además de ser el bajista durante los últimos veinte años de The Flower Kings. El pasado año el líder de estos, Roine Stolt, decía que no sabía si realizar o no un nuevo disco bajo el nombre de la banda, y por eso editó un trabajo interesante como Roine Stolt’s The Flower King, aunque no era muy entendible que lo hiciese así, y ahora aún más se reafirma esa sensación cuando se publica en estos días el que sí que es con todas las de la ley el nuevo disco de The Flower Kings, al cual han titulado “Waiting For Miracles”.
Lo cierto es que poco importan las inseguridades de Stolt, acerca de cómo firmar sus discos, porque Stolt es un fructífero músico, capaz de escribir canciones y canciones, de todos los metrajes y casi siempre de calidad garantizada. Otra cosa es la intensidad que le pone a sus trabajos, pero felizmente, el nuevo álbum de The Flower Kings se sacude esa problemática a base de mantener las cosas dentro de un encuadre natural, insistiendo en la confección de temas más concisos que otras veces, sin dejar lugar para la monotonía, a pesar de tratarse de un disco doble….

(Esta semana en Rocktopia: MIDNIGHT SUN, THE FLOWER KINGS, HASSE FROBERG & THE MUSICAL COMPANION, OLA ENGLUND, KADAVAR, LEPROUS y PORT NOIR)

Programa 29 de Junio de 2019

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/192Kbps)

Nuestro paseo por el pasado habitual al inicio de cada Rocktopia nos va a llevar esta vez al año 1988, a lo que fue el quinto disco en solitario de una de las voces más carismáticas y reconocibles del rock sinfónico, el cantante de Yes, Jon Anderson, quien hace más de 30 años editaba “In The City Of Angels”, durante una de sus salidas de su banda de toda la vida, y en el que quiso buscar una dirección netamente comercial a sus canciones. Un Jon Anderson , cuya carrera en solitario siempre se ha caracterizado por representar en todo momento una precisa muestra de lo que es el personaje en cuestión en cada momento de su vida. Este disco sin duda suena ochentero, pero quizás en el buen sentido de la palabra, ya que en este caso se traducía en una producción del nivelazo que se estilaba entonces, cuando había presupuesto detrás, y también en cuanto a colaboraciones del más alto nivel, como las de Paulino Dacosta, Dan Huff, Michael Landau o una abrigada representación del grupo Toto…

La conexión habitual entre nuestro disco del recuerdo y nuestro álbum destacado de la semana viene dada de la mano de Gina Gleason, la joven guitarrista que ha sido miembro del grupo de directo de Jon Anderson en los últimos tiempos, además de haber acompañado también a Carlos Santana y haber sido instrumentista de El Circo del Sol. Ese es su historial previo a su rol desde hace un par de años, como guitarrista y segunda vocalista de la banda Baroness.
Después de tres años y medio desde la edición de su anterior LP, la banda de Georgia retorna con un disco que puede marcar para ellos un antes y un después. Siempre fueron concienzudos a la hora de trasladar a su propuesta todas esas influencias del punk, del post-rock o del chamber rock, pero la materialización de todo ello nunca ha poseído la carga de profundidad y variedad musical de su nuevo “Gold & Grey”. Los cantos desesperados del líder John Baizley siguen aquí, y también los guitarrazos y la producción áspera que aloja esa nerviosa sección de ritmo. Pero hasta el propio Baizley ha declarado haber recordado a Pink Floyd en los procesos de grabación de esta nueva obra. Y es que han añadido atmósferas hasta entonces inéditas, muchas más canciones sosegadas y una sensación de experimentación conceptual antes no explotada. Son los nuevos Baroness. Fieles a su filosofía pero dispuestos a indagar en nuevos horizontes que prometen emociones para próximas entregas…

(Esta semana en Rocktopia: JON ANDERSON, BARONESS, TERAMAZE, JOE STUMP, LARS ERIC MATTSSON, LONERIDER, PAICE-ASHTON-LORD y DEWOLFF)

Programa 25 de Mayo de 2019

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/192Kbps)

Un álbum pionero para arrancar el programa de hoy. Quizás no un disco que cambiara la historia del rock desde sus cimientos, pero sí una obra que hizo que un subgénero como el metal neoclásico se estableciera como una opción viable. Nos vamos hasta el año 1984 para recordar el primer disco en solitario de un genio de las seis cuerdas como Yngwie Malmsteen; para recordar su primer trabajo en solitario, bautizado como su propia banda desde entonces, Rising Force.
Utilizando el legado de Ritchie Blackmore como base, y cruzándolo, como hasta entonces nadie había hecho, con las pronunciadas influencias de la música clásica, especialmente barroca, de las que el guitarrista sueco era deudor, Rising Force significó un antes y un después en cuanto al concepto que se tenía hasta entonces de la guitarra. Malmsteen era veloz, preciso, abrasador y desacomplejado. Este disco casi instrumental hizo que las tiendas de importación se pusieran manos a la obra, hasta que algunos meses más tarde, dada su relevancia, viera la luz en todo el mundo occidental.
Yngwie Malmsteen abría la brecha, para que después otros como Tony MacAlpine o Vinnie Moore mostraran también al mundo su forma de entender la música. Descubriendo a un vocalista magnífico, como Jeff Scott Soto, y acompañado también de un músico experimentado como el batería de Jethro Tull, Barrimore Barlow…

Sin duda, su corta pero intensa carrera con Yngwie Malmsteen durante algunos de sus años más importantes, fue una inmejorable carta de presentación para Jeff Scott Soto, siempre recordado por ello. Luego, el cantante de origen puertorriqueño se ha erigido como uno de los vocalistas más prolíficos del circuito, con trabajos para grupos de la popularidad de Journey, de la buena reputación de WET o últimamente del prestigio del súper-grupo de metal progresivo Sons Of Apollo, además de su constante carreta en solitario, a la cual quiso, hace unos años, darle un giro estilístico más serio, más profundo y hasta más heavy. Para ello bautizó a su propio grupo con el simple nombre de Soto, y se hizo rodear de músicos con hambre de nuevas cotas como es el caso de nuestro Jorge Salán a la guitarra.
“Origami” es el tercer episodio de esa nueva faceta de Jeff Scott Soto. Tras un debut que llamó la atención y una continuación más discreta, el nuevo álbum de Soto resulta totalmente convincente. Su periplo con Sons Of Apollo rodeado de tan concienzudos músicos parece haber pagado su tributo. Quizás por ello “Origami” suena intenso como casi nunca, echando mano de un buen arsenal de recursos musicales que le otorgan la capacidad para ser un estupendo disco de hard and heavy de alta carga de profundidad, y no pocos atributos técnicos, algo a lo que contribuye decisivamente Jorge Salán quien es desde luego uno de los responsables de todo ello. En cuanto a la voz de Scott Soto, poco que decir, y es que él es desde siempre uno de los cantantes garantizados de su estilo y estilos…

(Esta semana en Rocktopia: YNGWIE J. MALMSTEEN, SOTO, RESTLESS SPIRITS, ROBERT RODRIGO BAND, GENETICS, WHEEL, RENDEZVOUS POINT y PORT NOIR)

Programa 27 de Abril de 2019

AQUÍ: Descarga directa (Mp3/192Kbps)

Los inicios musicales de un tipo como Michael Ammot estuvieron vinculados desde un principio a su vena más extrema y oscura. Bandas de death metal seminal como Carnage o Carcass escribieron las primeras líneas de su currículo antes de que llegaran Arch Enemy. Pero algo más habitaba en la mente de Ammot. Algo que necesitaba exponer y que a través de todos esos grupos le era imposible. Por eso, cuando aún militaba en las filas de Carcass, decidió crear un combo como Spiritual Beggars. Un híbrido de proto-metal, classic rock y blues ambientado en la década de los 70s. Corría el año 1992 y nada podía asegurar la continuidad de la banda en unos años imprevisibles, pero un subgénero como el stoner y sus estribaciones encontró acomodo en la amalgama que significó aquella cambiante escena musical, y los Beggars tuvieron su porción de éxito.
2002 fue un año de cambios para ellos. El vocalista Janne “JB” Christoffersson se incorporaba a la banda para ser partícipe de un pequeño giro hacia matices menos corrosivos y de alguna manera más melódicos. La banda de Michael Ammot mantenía la filosofía intacta, de hecho las diferencias entre el anterior y el nuevo cantante no eran significativas, pero decidieron pisar el nuevo siglo suavizando ligeramente sus aristas y haciéndolo todo más sónicamente discernible. Bajo esos preceptos se grababa aquel disco titulado “On Fire”…

Janne “JB” Christoffersson llegó a Spiritual Beggars desde su banda, Grand Magus, y de hecho siguió compaginando sus actividades en ambos grupos, hasta que en 2010 salió de los Beggars dando por finalizado el pluriempleo. Y es que Grand Magus siempre ha sido la criatura de Christoffersson, desde que en el lejano año de 1996 los fundara junto con su colega el bajista Mats “Fox” Skinner. Lo suyo siempre ha sido una reivindicación del metal más auténtico de raíz y poco postureo. Una amalgama que paso a paso fue sonando más a metal clásico, en momentos tocado todavía por la lentitud y la contundencia del doom, dándole especial protagonismo a los riffs pesados sobre los que cimentar sus canciones. “Wolf God” es la nueva entrega de los lobos de Estocolmo. Vivir de los prototipos hasta hacerlos creíbles y respetables en base a una honestidad inquebrantable. La insistencia en sus señas de identidad, en su condición elegida de banda de culto. La grandiosidad voluntariamente rechazada para mantener su vuelo a ras de suelo. Filosofía básica como en la canción que da título al álbum. Los lobos han vuelto…

(Esta semana en Rocktopia: SPIRITUAL BEGGARS, GRAND MAGUS, CORRODED, ALTITUDES & ATTITUDES, MONKEY3, PERVY PERKIN, A.C.T. y SAGA)