Programa 16 de Junio de 2018

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Nuestra visita musical al pasado nos lleva esta semana a detenernos en un personaje de calado medio como Clive Nolan. Toda una eminencia para el movimiento de neo-prog-rock que se fraguó en el Reino Unido al final de los setenta y principio de los ochenta, al convertirse en el teclista de una de las bandas bandera de aquella generación, como lo es Pendragon.
Nolan venía de ser un talentoso y prometedor músico, con estudios clásicos en varios instrumentos de cuerda, composición, dirección y demás, por eso en algún momento de su trayectoria decidió liderar sus propios proyectos, además de continuar en Pendragon, y así fundar combos como Arena o Shadowland. Pero a Nolan le quedaba todavía una inquietud por aplacar, la de su vena más orquestada, teatral y operística. Y de esa idea nació su colaboración con la cantante polaca Anieska Suita. Primero fue a través de un disco lanzado bajo sus nombres, y luego firmando la colaboración con el nombre de Caamora. Un proyecto ideado con visos de transformarse en teatral ópera rock destinada al directo, tal y como sucedería poco después. El primer disco de Caamora sería un EP titulado “Walk On Water” en el que se nos mostraba una propuesta de rock ambiental, accesible, de cierto tono épico e incluso se podría pensar que algo de roce gótico…

Otro de los quehaceres principales y prioritarios de Clive Nolan es sin duda la banda que a principios de los noventa fundara junto al ex batería de Marillion, Mick Pointer. Esa banda llamada Arena. Una de las instituciones de la penúltima hornada de neo-prog-rock inglesa que sigue afortunadamente su camino lejos del estrés y de las presiones de la industria discográfica. “Double Vision” es su nuevo disco, y continúa la senda iniciada con la inclusión del vocalista Paul Manzi en el seno de la banda. Quizás no sea él exactamente el culpable, pero lo cierto es que desde que apareció, Arena ha transformado su sonido en algo menos lírico, menos grandilocuente y más conciso, dicho dentro de unos límites. El estupendo guitarrista John Mitchell apareció en el grupo hace muchos años y eso marcó un antes y un después, y lo mismo ha ocurrido con Paul Manzi y su forma de entender la música, quizás más accesible, no en vano es miembro de una banda tan comercial como Cats In Space. “Double Vision” es una labor de equipo, en la que los miembros de Arena se conjuran en favor de cada una de las canciones, y hasta el propio Clive Nolan deja que sus teclados se dispongan al servicio del conjunto…

(Esta semana en Rocktopia: CAAMORA, ARENA, KINO, MARC RIZZO, MILLENNIAL REIGN, GEORGE BELLAS y FOREIGNER)

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Programa 9 de Junio de 2018

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Antes de que una banda como Dream Theater diera por creado, oficial y popularmente hablando, un subgénero como el prog-metal, hubieron otros grupos a ambos lados del Atlántico coqueteando con esa brecha que se estaba abriendo, a través de la cual se conjugaba la potencia del heavy metal y la sofisticación del prog-rock. Bandas seminales como los americanos Watchtower o los alemanes Sieges Even, quienes han terminando pasando a la historia como meritorios pioneros de un estilo que por aquel entonces ni si quiera había sido bautizado.
La carrera de Watchtower fue realmente fugaz, pero el caso de Sieges Even fue bien diferente. Porque ellos sí fueron capaces de perdurar durante unos cuantos años -iniciando su andadura en 1983 y finalizándola en 2008-, y porque durante todo ese tiempo, lejos de permanecer en el inmovilismo musical, pasaron de experimentar con thrash hasta el power metal, pero dentro siempre de un entorno de progresividad.
La última encarnación de Sieges Even arrancó en 2005 con un disco de reinicio titulado “The Art Of Navigating By The Stars” en el que el metal dejaba paso a atmósferas mucho más etéreas, mucha melodía, mucha presencia de guitarras acústicas y un poso cálido que partía en gran medida de la voz del vocalista Arno Menses, quien fue considerado la representación personalizada de estos nuevos Sieges Even. Aquel cambio de estilo trajo consigo dos estupendos álbumes y tristemente también la disolución de la banda…

El cantante y el guitarrista de aquellos últimos Sieges Even, decidieron continuar haciendo las cosas por su cuenta. El proyecto Subsignal se había creado como una banda paralela, pero en vista de lo sucedido se convirtió en la prioridad de estos músicos. Una prioridad que se prolonga ya por espacio de casi una década y que llega hasta nuestros días completando su quinto disco de estudio el cual lleva por nombre “La Muerta”, así en castellano.
De alguna manera Subsignal siempre han sido una evolución natural de lo que Sieges Even habían comenzado con la templada e inequívoca voz de Arno Menses, y esa mutación hacia un concepto de rock progresivo amable, y con ciertas gotas de accesibilidad pop. Han conseguido acuñar una forma de hacer las cosas bastante personal, y en su nuevo disco eso se vuelve a corroborar, a través de un estilo propio, y gracias de nuevo a excelentes canciones, que suenan accesibles casi siempre, pero con los giros y piruetas necesarios para que sigan siendo interesantes y progresivas…

(Esta semana en Rocktopia: SIEGES EVEN, SUBSIGNAL, VON HERTZEN BROTHERS, ANIMALS AS LEADERS, SKINDRED, BLACK ORCHID EMPIRE y SEVEN EYED CROW)

Programa 2 de Junio de 2018

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La vida de Glenn Hughes dio un brusco cambio a mejor cuando su recuperación en cuerpo y alma se hizo efectiva después de muchísimos años consumiendo todo tipo de drogas. Ya era simplemente milagroso que estuviese vivo, pero aún más que hubiera resucitado artísticamente, haciendo que tocar y componer música fuese su única y nueva adicción. En el año 2004 el cantante y bajista británico se encontraba inmerso en la grabación de discos junto a Tony Iommi y también para el proyecto Voodoo Hill al lado del guitarrista italiano Dario Mollo. Pero la carrera en solitario de Hughes no paraba y tuvo a bien editar un doble CD en directo y DVD con el nombre de “Soulfully Live In The City Of Angels”. Se trataba de la grabación de un concierto exclusivo el cual tuvo lugar en el Sound Image Studio de Hollywood el 11 de enero de aquel año 2004. Un show ofrecido en la intimidad a un selecto grupo de invitados. Estaban en la banda el batería de Red Hot Chili Peppers, Chad Smith, o el guitarrista de Hughes de entonces JJ.Marsh, y además hacía voces el malogrado cantante de Quiet Riot, Kevin Dubrow…

Hughes será cabeza de cartel del Garage Sound Festival, en la noche del sábado 9 de junio, interpretando canciones solamente de Deep Purple. Y otros de los que tocarán ese mismo día son los suecos Graveyard.
La banda de Gotemburgo lleva desde 2006 siendo una de las puntas de lanza de esa nueva generación de talentos que hacen suyo el hard rock setentero, psicodélico y felizmente anacrónico. En el año 2016 amenazaron con tirar la toalla, debido a diferencias musicales y demás, y de hecho así lo hicieron, pero tan solo unos meses después, la recapacitación y algún cambio en la formación devolvían a Graveyard a los escenarios y al estudio de grabación con el productor Chips Kiesbye, tomando las riendas. Un tipo con créditos en discos de Hellacopters, Bonafide o Michael Monroe, entre otros. “Peace” es el nombre de este nuevo trabajo de Graveyard, y como lo que no te mata te hace más fuerte, con él la banda escandinava retorna a los sonidos más ásperos y pesados. Sin trampa ni cartón. Sin toques de postproducción o la utilización de un simple metrónomo. Intentando capturar la tantas veces invocada energía del directo, aunque siempre dejando espacio para momentos más pausados y acústicos marca de la casa…

(Esta semana en Rocktopia: GLENN HUGHES, GRAVEYARD, GUN, NUCLEAR WINTER, JOHN 5, HYVMINE, DREYELANDS y STATUS MINOR)

Programa 26 de Mayo de 2018

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No siempre la carrera de un músico de prestigio y categoría contrastada se nutre de crear e interpretar la música que más le llena. Ahí están los músicos de sesión que dedican su profesión a acompañar a quien reclama su presencia con mayor o menor objeción de conciencia artística. Uno de esos magníficos profesionales es Nick D’Virgilio. Probablemente él hubiera querido dedicar su trayectoria a una banda como Spock’s Beard, pero la necesidad de pagar las facturas hizo que los abandonase en el año 2011, para dedicarse a esas otras cosas que le dan de comer, como por ejemplo pertenecer al núcleo de músicos de El Circo del Sol, la mayor productora teatral del mundo. Por el camino D’Virgilio ha estampado la firma de su batería en discos de, por ejemplo, Genesis (sustituyendo nada menos que a Phil Collins) o Tears For Fears, además de ser miembro de los retro-progresivos británicos Big Big Train.
Por eso cuando un músico de semejante bagaje editaba en 2001 su primer disco en solitario, hubo cierta expectación por saber qué nos depararía el trabajo independiente de este enorme batería y buen cantante. Aquella primera obra de D’Virgilio fue publicada bajo las siglas N.D.V. y con el título de “Karma”. Nick demostraba su suficiencia haciéndose cargo de todos los instrumentos en varias canciones, y también echando mano de amigos con los que ya había trabajado; componentes de los propios Spock’s Beard o Beer For Dolphins, entre otros.
“Karma” se erigía como una pequeña muestra de algunos de los estilos con los que D’Virgilio se sentía más cómodo: rock alternativo que se complicaba hasta mutar hacia lo progresivo o rock orientado para adultos que en otros instantes jugaba con tonos acústicos y baladas…

Precisamente la reaparición de Nick D’Virgilio es una de los atractivos del nuevo disco de sus añorados Spock’s Beard, y es que ésta es seguramente la banda con la que más disfruta tocando. “Noise Floor” es el nuevo álbum de los californianos y el tercero con el vocalista Ted Leonard como frontman, y no solo eso, sino parte fundamental de la composición. Un álbum con el que los Beard declaran haber intentado hacer de sus canciones algo más accesibles, siempre dentro del entorno inevitable del rock progresivo del que ellos son santo y seña desde hace más de 25 años. Lo cierto es que la grandilocuencia épica de los tiempos liderados por Neal Morse forman parte ya del recuerdo, y la banda es ahora un combo de música progresiva, sin duda, pero con algo menos de la pomposidad casi hogareña que Morse imprime a lo que hace. Al final un trabajo con el que dejar satisfechos a los que disfrutaron de sus últimas obras, y que nos traen de vuelta a una de las mejores formaciones de rock progresivo surgidas en las últimas décadas….

(Esta semana en Rocktopia: NICK D´VIRGILIO N.D.V., SPOCK’S BEARD, STEVE WALSH, ALESSIO BERLAFFA, JOE BONAMASSA, DON AIREY y APPICE)

Programa 19 de Mayo de 2018

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Hay bandas que permanecen fieles a un estilo y a una filosofía musical a lo largo de toda su existencia, y hay otras que no dejan de mutar hasta llegar a encarnaciones de sí mismos que en un principio pudiesen parecer imposibles. Uno de esos grupos caracterizados por su metamorfosis continua es The Gathering.
A primeros de los años 90 se abrieron camino en la cambiante escena europea empuñando la bandera del incipiente doom metal, algo muy distante de lo que significó el que a la postre fue su último disco con la cantante Anneke Van Giersbergen.
La vocalista entró a formar parte del combo holandés resultando pieza clave para su cambio de estatus, el que venía vinculado también a su evolución permanente que los hizo estar cercanos al rock gótico, alternativo y al pop más oscuro.
“Home” fue el último trabajo con Anneke detrás del micrófono. Un álbum que volvió a no dejar indiferente a nadie, con su propuesta sosegada más veces pop que rock, pero en definitiva siendo fieles a sus principios de evolución continua que siempre les acarreó no pocos problemas con su compañía de discos…

La carrera musical de Anneke Van Giersbergen debe mucho sin duda a The Gathering, pero hay que reconocer que ella ha sabido mantenerse como una de las vocalistas del género más solicitadas. Su última colaboración discográfica la encontramos en estos días con la edición del nuevo álbum de los finlandeses Amorphis en el que ella participa.
Los contadores de las historias de los mil lagos llevan casi treinta años relatando leyendas de los bosques, de los ríos y de esos lagos infinitos que hacen de Finlandia un país tan especial y tan sujeto a mitos y fábulas. Las que estos aguerridos músicos llevan argumentando tanto tiempo, y en los últimos años además exhibiendo una forma creativa sin tacha. La sublimación del death metal melódico y progresivo, con guiños a su folclore, y la inclusión para “Queen Of Time”, nombre de su nuevo disco, de elementos orquestales.
Después casi doscientos conciertos en apoyo de su anterior disco, Amorphis tocaron su último show un sábado de septiembre de 2017 en Helsinki. Tuvieron día libre el domingo y comenzaron los ensayos para este nuevo disco el lunes. Trabajo a destajo que ha cristalizado en la captura de la inspiración de sus últimos tiempos. La brutalidad, la épica y las atmósferas intensas…

(Esta semana en Rocktopia: THE GATHERING, AMORPHIS, BARREN EARTH, PAUL WARDINGHAM, LORDS OF BLACK, CORELEONI y PERFECT PLAN)

Programa 12 de Mayo de 2018

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A pesar de nacer en un momento en el que las modas imperantes no les ayudaban, sino más bien todo lo contrario, Buckcherry se las arreglaron desde sus inicios en 1995 para destacar, y lo hicieron de la misma manera que una década antes bandas como Guns’N’Roses o Motley Crüe lo habían hecho, o sea, pateándose los escenarios de los clubs más humeantes de California; dejándose el sudor y la sangre en cada actuación, y haciendo mucho ruido. Después de tres años batiéndose el cobre, Buckcherry habían conseguido llamar la atención a la antigua usanza. Sorpresivamente para la época, en 1998 fueron enviados a Toronto para grabar con un productor de la categoría de Terry Date, y materializar por todo lo alto su disco de debut. Público y crítica convinieron tajantemente que estábamos ante una explosión de adrenalina sónica e insolencia pocas veces escuchada desde la irrupción de Guns’N’Roses. En abril de 1999 se editaba el primer y homónimo álbum de Buckcherry, consiguiendo llegar a disco de oro en Estados Unidos y también en Canadá. Su hard rock descarado recordaba a los propios Guns’N’Roses, a Aerosmith y a AC/DC, y lo hacía con toda frescura…

Buckcherry va a ser una de las atracciones del estupendo cartel de la segunda edición del Garage Sound Festival. Otra de las apariciones que promete, es la de los holandeses DeWolff.
Son todavía jóvenes, pero ya experimentados. Comenzaron cuando sus edades estaban entre los 13 y 17 años, así que ahora, todavía con toda una carrera por delante, pueden decir que pocos grupos han tocado tanto y en tantos lugares. “Thrust” es su nuevo disco. Ellos dicen que han intentado dejar un poco de lado sus producciones más setenteras de sus anteriores discos, y puede ser, pero eso no es obstáculo para que, éste su sexto LP de estudio, suene una vez más felizmente anacrónico, repleto de psicodelia y con todas esas trazas de las bandas de, para ellos abuelos, que escribieron con letras de oro el rock de los 60s y 70s. Guiños a sus adorados Jimi Hendrix, The Doors o Led Zeppelin en este “Thrust”, firmado por estos niños prodigio que han teloneado a eminencias como Ten Years After o Deep Purple. De hecho el bajista de estos, Roger Glover, declaró entonces su admiración por ellos, sus nietos musicales…

(Esta semana en Rocktopia: BUCKCHERRY, DEWOLFF, STONE BROKEN, GREG HOWE, WANDERING VAGRANT, TOMORROW’S EVE y SAFFIRE)

Programa 5 de Mayo de 2018

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Hay discos sobre los que se podría escribir un libro. Un relato hablando de su “antes” y su “después”.
Tom Scholz trabajaba como ingeniero para la empresa de fotografía y electrónica Polaroid. Todo lo que ganaba allí lo invertía en su gran obsesión: la música. Por eso con aquel dinero, poco a poco fue construyendo su propio estudio de grabación en el bajo de su casa. Eran los primeros años 70, cuando semejante tecnología no estaba al alcance de cualquier bolsillo. Scholz, músico de academia, estaba obsesionado con lo que para él era la banda perfecta, una en la que las guitarras crujientes tuvieran tanto peso como las voces cristalinas y poderosas. Scholz se obsesionó hasta, con el transcurrir de los años, confeccionar una maqueta en la que tocaba casi todos los instrumentos con la aportación de la voz de su ahora colega Brad Delph, el guitarrista Barry Goudreau y el batería Jim Masdea. Aquel combo fue bautizado como Mother’s Milk y la cinta a modo de demo sería remitida a todas las discográficas de la época. Negativas y oídos sordos, hasta que Epic los fichó y los mandó a grabar su primer disco a California. Tom Scholz no quería grabar fuera de casa, y se las apañó para engañar a la discográfica que pensaba que estaban de sesiones de grabación en Los Ángeles. Para entonces el nombre del grupo ya había cambiado, siendo rebautizados como Boston.
Después de un despegue dubitativo, el estreno de Boston, con un incrédulo Tom Scholz aún trabajando a jornada completa para Polaroid, se convirtió en el disco de debut de mayores ventas hasta ese momento. A día de hoy más de 20 millones de copias le hacen ser uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música…

Amor a su propia banda y creer en sus propias posibilidades, esas fueron algunas de las razones para que Michael Sweet, cantante de Stryper, abandonase a Boston en 2011, tras casi cuatro años con ellos. Pero Sweet quería seguir incrementando la historia de su grupo, que había quedado en la incertidumbre y que a partir de entonces se tornó en algo de nuevo fiable y con vocación de permanencia. Habían vuelto en 2003, pero fue entonces cuando su estabilidad los consolidó, llegando a grabar ya siete discos durante el siglo XXI. El último de ellos se llama “God Damn Evil” y es uno de los más contundentes que jamás hayan grabado. “God Damn Evil” es la declaración de principios que por antonomasia la banda de California lleva abanderando desacomplejadamente desde sus inicios. Con un Michael Sweet rotundamente estelar a la voz, como en él es por otra parte habitual, y una nueva colección de buenas canciones de cierta aspereza sónica, la que ellos han decidido para que “God Damn Evil” los lleve por territorios en los que las dudas no existen…

(Esta semana en Rocktopia: BOSTON, STRYPER, SWEET & LYNCH, DOKKEN, MIKE GIANELLI, ADAGIO, AYREON y ASHA)

Programa 28 de Abril de 2018

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En la superviviencia de la música en general con sus infinitos géneros juega un papel fundamental su capacidad para mimetizarse, para fusionarse con estilos diferentes, lo que permite la evolución, y en muchos casos, a través de ella su perpetuación.
En ese sentido la irrupción de una banda como Tool, durante los primeros 90 fue todo un acontecimiento. Como hemos hablado en tantas ocasiones, aquella fue una época de cruces de caminos y ellos desde luego sentaron cátedra. Sin ponerse etiquetas, dejando que fueran otros los que lo hicieran; dando a su concepto de banda de culto un estatus de grupo seminal, tremendamente influyente y además exitoso.
Sus devaneos psicológicos, su cuidado diseño de imagen en todas las facetas, su rock alternativo enrevesado y oscuro, encontraron sorpresivamente el apoyo de crítica y público vendiendo millones de copias de todos y cada uno de sus discos.
El “hasta luego” de Tool a la industria discográfica se produjo hace ya doce años con la edición de “10.000 Days” el que hasta hora es su último disco…

Algo que hace que más de uno haya perdido la esperanza en un nuevo e inminente disco de Tool es el hecho de que A Perfect Circle estén de vuelta con su recién estrenado “Eat The Elephant”. La banda que Maynard Keenan fundara junto Billy Howerdel -antiguo técnico de guitarras de Nine Inch Nails, The Smashing Pumpkins, Fishbone y los propios Tool-, se consolidó como una banda paralela a estos. Más concisa, quizás menos retorcida, pero igual de alternativa. Su anterior trabajo había sido publicado por A Perfect Circle nada menos que hace 14 años, y es que parece que todo lo que tiene que ver con estos artistas está rodeado de ambigüedad. Por eso han tenido que pasar por multitud de rumores y muchas reuniones y cambios de parecer antes de llegar a este “Eat The Elephant”, el cual ha sido recibido en general con buenas críticas en cuanto a su categoría musical, pero al que muchos han tildado de ser un disco con falta de punch. Y sí es cierto que es una obra a cuya intensidad sonora le cuesta despegar. Un inicio in crescendo de canciones muy ambientales y lento tempo que poco a poco va ganando en una siempre relativa contundencia para terminar convenciendo al margen de estilos musicales. El disco fue precedido de varios singles de adelanto, lo que ha ido haciendo que ya se intuyese la dirección de estas canciones que atesoran un carácter bastante especial, pero que no por ello se hacen esquivas.

(Esta semana en Rocktopia: TOOL, A PERFECT CIRCLE, UNPROCESSED, TOUNDRA, PRIMORDIAL, GOZU y BLACK STONE CHERRY)

Programa 21 de Abril de 2018

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Hoy comenzamos el programa revisando el pasado de una escena variopinta y siempre peculiar como lo es la tejana. De allí han salido grandes padres del rock americano de siempre como ZZ-Top, pero también bandas emblemáticas del metal más contundente como Pantera o del hard rock de culto más groovero, pero sofisticado como King’s-X o Galactic Cowboys. Y de entre ese muestrario de grupos elegimos hoy a uno de sus patitos feos, la banda de Lewisville, Haji’s Kitchen.
Ellos nacieron a comienzos de la década de los noventa, y como otros contemporáneos suyos de más éxito como Galactic Cowboys, se dejaron impregnar por esa corriente de eclecticismo tan en boga en aquella época. Por eso utilizaron elementos del heavy metal, pero también del rock alternativo y progresivo, exhibiendo cuando era requerida, una notable pericia instrumental. Tanto es así que fueron reclutados por el descubridor de guitarristas virtuosos, Mike Varney, para que formaran parte de su sello discográfico Shrapnel records, con quienes editaron su primer trabajo homónimo en 1995. Un disco polémico, ya que entonces sólo se imprimirían 5.000 copias, las cuales se vendieron en su totalidad, tras lo cual la compañía de discos se negó a realizar más copias y además los despidió. Historias oscuras que contribuyeron a su accidentada y dispersa carrera…

El tercer disco de Haji’s Kitchen contaba con la presencia de Daniel Tompkins como vocalista. Un Daniel Tompkins que es el actual cantante de los británicos TesseracT. La banda inglesa está considerada por muchos como una de las precursoras del djent metal. Esa suerte de metal sofisticado y polirrítmico, hijo legítimo del prog-metal, del metal alernativo y de la facción más sofisticada del nu-metal.
Para su nuevo disco, llamado “Sonder”, TesseracT exploran, además de todos esos universos paralelos, los matices de la música más ambiental, con trazas incluso del llamado shoe-gazzing. Una combinación que los coloca por derecho propio como dignos representantes de la evolución de un género que no para de expandirse. Convincentes ahora, y prometiendo aún más para el futuro más próximo…

(Esta semana en Rocktopia: HAJI’S KITCHEN, TESSERACT, GOOD TIGER, AMOR, ROBO SAPIENS, DEATH ALLEY, BLACK MOTH y THE SWORD)

Programa 14 de Abril de 2018

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No hay duda de que Escandinavia ha sido cuna de muchas de las bandas de metal melódico de siempre. En 1989 se fundaba Conception… Un grupo probablemente aparecido no en el lugar equivocado, pero sí en un momento inoportuno. El combo liderado por el guitarrista Tore Ostby y el excelente cantante Roy Khan atrajo para sí la atención de muchos fans que habían quedado huérfanos de grupos nuevos de referencia. Aficionados que buscaban refrescar la lista de bandas como Queensrÿche o Crimson Glory. Aunque Conception eran un nombre por sí mismo y añadían a su música esa elegancia escandinava del norte de Europa que era parte inseparable de su propuesta.
En 1995 editarían su tercer disco titulado “In Your Multitude”, el que para muchos representa la cima del estilo con el que comenzaron y el cual abandonarían ligeramente para su siguiente obra.

Roy Khan abandonó Conception en 1997 para convertirse en la nueva voz de la banda de Florida, Kamelot. Después de 12 años dejó la actividad debido a problemas físicos y también para dedicarse activamente a ayudar a su comunidad cristiana.
Kamelot han seguido con Tommy Karevik, otro vocalista escandinavo, en este caso sueco, alumno aventajado de la forma de cantar de Khan. El nuevo disco de Kamelot con él es una realidad. Se edita en estos días con el nombre de “The Shadow Theory”. El tercer esfuerzo contando con sus servicios, en la línea de lo que siempre han intentado hacer, desde su irrupción en los noventa. Una de las bandas paradigmáticas del prog-power y metal sinfónico de todo el mundo. Nuevas canciones, pero la misma música épica del grupo, repleta de simbolismos. Un viaje psicológico a través de la complejidad de la mente humana. Estímulos a través de los medios, de la tecnología, experimentos sociales e inteligencia artificial. Un notable álbum de uno de los máximos representantes en su estilo…

(Esta semana en Rocktopia: CONCEPTION, KAMELOT, AXEL RUDI PELL, RAINBOW, STRUCTURAL DISORDER, DAY SIX, VALIS ABLAZE y MINISTRY)