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Una vez más nos dejamos llevar por los acontecimientos para que Rocktopia se vista de blanco y nos muestre su cara más navideña.
Durante casi una hora de Rock y radio, pasan por el programa un buen puñado de bandas y agrupaciones de músicos interpretando villancicos propios o en forma de versión.
Bienvenidos al volumen 5, de nuestra serie de especiales con sabor a mazapán y a turrón (del duro).
¡Feliz Navidad!
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El último programa convencional del año en Rocktopia -antes de meternos de lleno en la Navidad y sus distintos especiales- se abre con un proyecto único y de lo más underground. Música hecha por músicos con la intención primordial de plasmar en ella sus intereses artísticos.
El batería australiano Grant Collins y su colega británico, afincado en Australia Paul Wardingham, unían fuerzas en el año 2006 para canalizar emociones e inquietudes, grabando para la posteridad un único álbum llamado “Interactive”, el cual, como no podía ser de otra manera, pasó sin pena ni gloria tanto para el público como para la crítica de aquel momento. Sin embargo, los pocos que le prestaron algo de atención quedaron prendados por su metal instrumental de primer nivel, con reflejos fusioneros y comparaciones que los equiparaban a otros combos de su estilo, y del nivel de Planet-X o Liquid Tension Experiment.
Músicos de sesión, productores y profesores aunados en pos de una recompensa alejada de listas de ventas y popularidad…
La vida de estos dos caballeros ha seguido su cauce sin volver a cruzarse discográficamente. Mientras, Paul Wardingham inició unos años más tarde su carrera en solitario, en unos parámetros similares en cuanto a filosofía no comercial. “Spiritual Machines” es lo nuevo del inventor de lo que él ha acuñado como “ciber-metal instrumental”, aunque el título del álbum delata la intención por parte de Wardingham, de insuflar sus nuevas canciones con una dosis de corazón que transcienda a la máquina y a su pretendido sentido estético frío y mecánico.
Paul Wardingham es de nuevo el hombre orquesta, componiendo, produciendo y por supuesto interpretando todo lo que se puede escuchar en “Spiritual Machines”: además de sus guitarras de seis y ocho cuerdas, el arsenal de recursos computarizados que son indispensables en su música…
(Esta semana en Rocktopia: THE COLLINS/WARDINGHAM PROJECT, PAUL WARDINGHAM, ASHA, HEMINIA, JOE SATRIANI, ANOTHER LOST YEAR, HEVIDENCE, DARIO MOLLO’S CROSSBONES y ELDORADO)
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Las tan denostadas (y casi siempre con razón) bandas tributo pueden desembocar de cuando en cuando en grupos que finalmente adquieren el compromiso y actitud suficientes como para enfrentarse a sus propias creaciones. Eso es lo que ocurrió con RPWL. Reunidos primeramente con la intención de rendir pleitesía a su banda favorita, Pink Floyd, la banda de Baviera pasó sus primeros años de vida tocando aquí y allí, acoplando la formación y definitivamente erigiéndose como un grupo con vida propia. La que se reflejó en su disco de debut “God Has Failed”, editado en el año 2000.
Las trazas de banda de versiones no podían ser disimuladas y se estampaban en la práctica totalidad del primer trabajo de RPWL, eso es algo difícilmente discutible. Sin embargo en aquellas canciones, irremediablemente tocadas por el halo de Pink Floyd, y algo menos de Genesis, prevalecía la potencialidad de unos músicos que en poco tiempo demostraron ser capaces de escribir excelentes canciones, ya fuera de obvias comparaciones…
Y aquellos músicos de versiones fueron alcanzando su mayoría de edad, y tanto es así que el contenedor musical llamado RPWL se fue quedando pequeño para el guitarrista Karlheinz Wallner, quien con el transcurrir del tiempo decidió acometer su carrera en solitario para expandir aún más sus ideas, un proyecto al que puso el nombre de Blind Ego.
Sin demasiadas reglas de estilo y con colaboraciones para complementar sus canciones, Blind Ego editan “Liquid”, su nuevo y más variado trabajo hasta la fecha, que viene a ser el cruce de caminos de sus dos anteriores obras: la cara más metálica y la cara más reflexiva de Kalle Wallner, a las que dan vida colaboraciones vocales como las de Arno Menses de Subsignal para sus zonas más amables y Erik Ez Blomkvist ex de Platitude para sus partes más aguerridas…
(Esta semana en Rocktopia: Esta semana en Rocktopia: RPWL, BLIND EGO, STRUCTURAL DISORDER, WOLF HOFFMANN, DARK SARAH, ENBOUND, HARDLINE y NIGHT RANGER)
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Cuando irrumpió el vigoroso grunge en los primeros noventa, destruyendo a su paso gran parte de la escena anterior; barriendo basura y respetabilidad a partes iguales, una especie que pasó a la situación de “peligro de extinción” fueron los guitar-heros. Unos, los más grandes, se mantuvieron con más o menos dificultad; otros desaparecieron engullidos por las nuevas tendencias, y otros lograron sobrevivir adaptándose a los nuevos tiempos. Greg Howe fue uno de estos últimos. Uno de los talentos de la escudería de Mike Varney, cuyo estilo se había decantado desde sus inicios por tendencias más funkies que sus contemporáneos, y que en 1993 definía aún más su propuesta con la edición de “Introspection”. Howe, uno de los pocos guitarristas negros en su estilo, afinaba aún más su maquinaria para un disco en el que el hard Rock de cadencias funkies que le caracterizaba, se sumergía con total confianza en la fusión de contornos jazz interpretada a través de pasajes de exquisita pulcritud y sobresaliente calidad técnica…
Greg Howe sentó cátedra con álbumes tan influyentes para muchos instrumentistas como ese “Instrospection” de 1993. Y uno de esos guitarristas que quedó prendado con las habilidades de Howe fue Tosin Abasi, otro guitarrista de raza negra, líder y fundador de los vanguardistas Animals As Leaders. Tosin Abasi nombra ese disco de Greg Howe como uno de los tres discos que más le han influido en su forma de tocar. Algo que vuelve a quedar plasmado en el último trabajo de la banda de Washington DC.
Lo que fuera un proyecto en solitario patrocinado por su sello discográfico como proyecto paralelo a su grupo de entonces, Reflux, se ha consolidado en poco tiempo como banda instrumental de enorme prestigio y hasta respetables entradas en las listas de ventas americanas. De hecho, este “The Madness of Many”, nombre de su nuevo álbum, ha llegado ya al puesto número 56.
El cuarto disco de Animals As Leaders se incrusta directamente en un cruce de caminos inverosímil en el que las raíces metalcore de sus componentes se transforman en djent al terminar dispensando música a menudo sincopada y con la libertad de acción que otorga la fusión jazz. La nueva locura de Animals As Leaders es nuestro disco de portada…
(Esta semana en Rocktopia: GREG HOWE, ANIMALS AS LEADERS, PERIPHERY, LEPROUS, FRANCESCO FARERI, THEOCRACY, PRETTY MAIDS y CAGE9)
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A veces ocurre que los juicios de la prensa musical y los de la audiencia no van precisamente de la mano. Una banda como los canadienses Triumph es un buen ejemplo de ello. El trío de Toronto fue maltratado por revistas como Rolling Stone desde sus inicios, aunque las cifras de ventas de cada uno de sus álbumes les daban la razón. Discos de oro y de platino en Canadá y Estados Unidos hasta llegar a una de sus obras minusvaloradas por la crítica, como su trabajo de 1984 “Thunder Seven”, curiosamente uno de los primeros discos de Rock editados en formato Compact Disc.
El séptimo álbum de Rik Emmett, Gil Moore y Mike Levin, producido por el legendario Eddie Kramer (Led Zeppelin, Jimi Hendrix, Kiss…), se debatía entre suspensos y bajas valoraciones en la prensa especializada, mientras poco a poco se encaramaba a posiciones de cierto relieve en las listas de ventas, y finalmente adquiriría estatus de oro y platino en Estados Unidos y Canadá respectivamente. Puede que fuese su carácter menos directo y más elaborado; el tinte conceptual de la segunda cara del vinilo, pero “Thunder Seven” no terminó de ser entendido por un gran número de periodistas musicales, mientras el público daba el sí, a su base de classic Rock melódico con toques a Led Zeppelin y su eterna y algo incomprensible comparación con sus paisanos Rush… Uno de los mejores trabajos, pese a quien le pese, de Triumph…
Y Rik Emmett dejó su banda del alma, Triumph, en 1988, cuando comenzó su más bien humilde carrera en solitario, la cual le ha llevado de forma dispersa a la consecución de varios discos, hasta llegar a la reunión de los propios Triumph a nivel de directo y en estos días a la materialización de un nuevo proyecto: Rik Emmett & Resolution 9. Que en realidad es una forma de democratizar la carrera en solitario de Emmett, aportando un sufijo a su nombre: Resolution 9, bajo el que se encuentran los músicos que han venido acompañando al guitarrista y vocalista canadiense en los últimos tiempos.
Colaboraciones también relevantes como las de Alex Lifeson de Rush; James LaBrie de Dream Theater o sus propios colegas de Triumph, Gil Moore y Mike Levin. Álbum de altura musical dentro de un encuadre de Rock más bien relajado, inofensivo y desde luego muy orientado para adultos. Un producto de lujo dentro de un estilo de poca audacia y mucha veteranía convertida en saber musical…
(Esta semana en Rocktopia: TRIUMPH, RIK EMMETT, AIRBOURNE, MR. WILFRED, LARS LIND, ROTH BROCK PROJECT, KANSAS y MASCHINE)
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Cuando se analiza la historia de un subgénero musical como el prog metal, pocas dudas existen al afirmar que uno de sus pioneros fueron desde mitad de los ochenta Dream Theater.
Los astros se alinearon para hacer coincidir en el mismo instituto a Mike Portnoy, John Petrucci y John Myung. Tres personalidades muy diferentes que compartían semejantes gustos musicales y sobre todo un inusitado amor por la música, respaldado por la insuperable capacidad de trabajo que ha sido una constante en la banda. «Cuando llegue la inspiración, que me encuentre trabajando» decía Picasso, y eso debieron pensar estos jovenzuelos cuando dejaron sus estudios para concentrarse casi en exclusiva en los ensayos y la creación. Después de maquetas bajo el nombre de Majesty y de cierto revuelo en su área de influencia, Dream Theater estaban preparados para que en Marzo de 1989 «When Dream And Day Unite» fuera publicado, aunque las reacciones por parte de público y crítica no fueron demasiado enfervorizadas, sino más bien todo lo contrario. El primer trabajo del ‘teatro del dueño’ pasaría más bien inadvertido, y de hecho les costó su rescisión de contrato con su compañía, decepcionados con el resultado comercial. Tuvieron que pasar los años para que paulatinamente y casi a nivel de culto, «When Dream And Day Unite» fuese valorado en su justa medida. Con los pecados de juventud de músicos de proyección brillante, pero que aún daban muestras de bisoñez, sobre todo en cuanto a composición. No todos los que lo escucharon advirtieron el auténtico potencial de los que se convirtieron en reyes del prog metal. Una de las pocas bandas que han sabido llevarlo a un gran público…
Aquel joven llamado Mike Portnoy ya hacía las veces de co-líder en aquellos primeros Dream Theater. Su figura ha ido ganando en importancia con el paso del tiempo y hasta límites insospechados, haciendo equipo con diferentes músicos a través de múltiples bandas. Uno de esos músicos con los que se ha conjugado extremadamente bien es Neal Morse. Junto al creador de Spock’s Beard han formado nada menos que cuatro combos. Uno de ellos es la propia Neal Morse Band, cuyo nuevo disco habla también de sueños: «The Similitude Of A Dream». Otra obra exuberante de este excelso currante de la música en el sentido más estricto y puro de la palabra. Álbum doble, conceptual, con sabor a ópera-Rock, aunque sin serlo. Con el característico sello del compositor californiano y la ayuda inestimable del mismo Mike Portnoy a la batería y las voces, además de otro habitual como Randy George al bajo.
Después de tres días de audiciones un veterano teclista: Bill Hubauer y un joven guitarrista Eric Gillette se convirtieron hace tiempo en miembros permanentes de la Neal Morse Band y repiten para este «The Similitude Of A Dream».
Es nuestro disco de portada. La nueva pequeña maravilla de Neal Morse…
(Esta semana en Rocktopia: DREAM THEATER, NEAL MORSE BAND, ERIC GILLETTE, KARMA TO BURN, CROBOT, KEE MARCELLO, TYKETTO y PALACE)
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Hoy retrasamos nuestros relojes musicales hasta el año 1970. En la bulliciosa escena británica de la época nos encontramos con una de esas bandas, amparadas por el blues y por el Rock, que evolucionaban con los tiempos hacia territorios más relativamente contundentes. Ellos eran Trapeze. Se hicieron su propio hueco entre sus coetáneos, pero fue especialmente cuando su bajista y cantante Glenn Hughes pasó a formar parte de Deep Purple, cuando adquirieron aún mayor popularidad. Y no fue solo Hughes quien salió de Trapeze con destino a otras bandas más conocidas; también el guitarrista Mel Galley sería parte de Whitesnake, como el batería Dave Holland fue miembro de Judas Priest.
«Medusa» fue el segundo disco de la banda. Formato de trío, después de cambios de formación con respecto a su primer álbum. Se quedaron Hughes, Galley y Holland y eso hizo que su música se hiciera más rockera, ya que los dos miembros fundadores dimitidos (John Jones y Terry Rowley) aportaban al combo instrumentos como la flauta, el piano o la trompeta. Este fue probablemente su trabajo más representativo, el más reconocible y el más reconocido, con algunas de sus canciones formando parte del repertorio de directo de Glenn Hughes aún en la actualidad…
Miles de batallas personales y musicales ha tenido que librar Glenn Hughes desde sus años con Trapeze. Y después de todas ellas sigue siendo una banda a la que ha llevado siempre en su corazón.
Hacía ocho años que el bueno de Glenn Hughes no volvía a su carrera discográfica en solitario. Una sequía que se rompe ahora con la edición de «Resonate». Casi una década ocupado formando parte de Black Country Communion o California Breed. Tiempo bien empleado en madurar las ideas de este nuevo disco de «La voz del Rock». Algo patente desde las primeras escuchas de una obra compacta en la que el vocalista de Staffordshire se hace rodear de un plantel bastante escandinavo, como en tantas otras ocasiones, pero con la colaboración ocasional del Red Hot Chili Pepper, Chad Smith a los tambores. Las esencias más hard-rockeras, con esos toques inevitables de soul y de funk en la voz de más de 65 años de edad, de un tipo que parece haber hecho un pacto con el diablo. El tiempo se detiene para Glenn Hughes…
(Esta semana en Rocktopia: TRAPEZE, GLENN HUGHES, GRAHAM BONNET, JOE LYNN TURNER, NICK JOHNSTON, VERBAL DELIRIUM, SEVENTH WONDER y SECRET SPHERE)
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Al margen de cuotas de ventas, al margen de gustos, al margen de opiniones… hay discos en la historia de algunas bandas que marcan momentos clave dentro de su trayectoria. Uno de esos momentos significativos se produjo en 2002 para un grupo como Porcupine Tree.
La banda de Steven Wilson ha sido abanderada de la vanguardia y la innovación desde su nacimiento en la segunda mitad de los ochenta. Continuadores de una saga de Rock progresivo británico que entraba en una nueva época y en una nueva dimensión a través de personajes de la genialidad de Wilson.
“In Abstentia” fue editado con la llegada del Otoño de aquel año 2002. Era el primer álbum publicado bajo los auspicios del sello Lava Records (Atlantic-Warner), lo que se tradujo en una significante mejora en cuanto exposición en los medios de comunicación generalistas y, sobre todo, la posibilidad de aterrizar por fin en el mercado americano con mayores capacidades que en el pasado. Se dice que la amistad de Steven Wilson con Mikael Akerdfelt de Opeth hizo que estos Porcupine Tree se hicieran más metálicos y menos electrónicos, aunque de todos son sabidas las inclinaciones multimusicales de Wilson. Esas que le hacen disfrutar e indagar en disciplinas diversas para que terminen comulgando dentro de su mente musical. “In Absentia” terminó siendo el disco más vendido hasta ese momento por Porcupine Tree y todavía uno de los favoritos para muchos de sus fans…
Uno de los músicos que colaboraba con Steven Wilson en aquel disco de Porcupine Tree, y que además fue guitarrista de la banda en aquella gira, fue el americano John Wesley. Recorrido disperso el del guitarrista de Florida, quien ha formado parte de las bandas Big Elf o Sound Of Contact en su dimensión de directo últimamente. Un músico veterano, y de alguna manera poco afortunado en cuanto a su capacidad para establecerse de manera sólida y constante. Su carrera en solitario ha seguido los mismos parámetros con obras de muy diversa categoría. Pero como John Wesley es capaz de todo, también lo es de facturar discos de la valía de su último “A Way You’ll Never Be”, en el que plasma de manera bastante clara todas esas fantasías que le llevan marcando su camino desde casi siempre.
La sombra de Porcupine Tree, pero también las de Pink Floyd o Rush planean armoniosamente sobre estas canciones que hibridan esas cotas de modernidad y clasicismo que son también seña de la guitarra de John Wesley. Estupenda base de ritmo con el gran Sean Malone (de Cynic o Gordian Knot) al bajo… el disco de portada hoy en Rocktopia…
(Esta semana en Rocktopia: PORCUPINE TREE, JOHN WESLEY, DEVIN TOWNSEND PROJECT, TOBY KNAPP, DARKHAUS, REV THEORY, ROCK WOLVES y FAIR WARNING)
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La época dorada, en plena expansión de una banda como Nightwish para abrir la edición de hoy del programa.
Recibiendo el beneplácito del público finlandés desde sus inicios y también cosechando la aceptación de la crítica, la banda finesa surgía al final del siglo XX ofreciendo un sello distintivo dentro de la oferta metálico-sinfónica. Uno de los precursores de un estilo que en aquel momento ponía tierra de por medio con la presencia vocal de Tarja Turunnen. El álbum «Wishmaster» se convirtió en uno de los primeros espaldarazos, alcanzando el número uno en las listas de ventas en su país de origen; «Century Child» sería la confirmación. Pero entre medias, un EP titulado «Over The Hills And Far Away» haría de perfecto puente entre ambos discos y acercaría a Nightwish a una mayor audiencia, gracias la versión que del guitarrista irlandés Gary Moore hacían, e incluso utilizando el nombre de ese tema para titular el disco. Esa canción extraída como sencillo se convirtió en el sexto single más vendido en la historia de Finlandia…
Un de los colaboradores en la nómina de protagonistas de aquel «Over The Hills And Far Away» era Tony Kakko, el líder indiscutible de los también finlandeses Sonata Arctica.
La banda lapona irrumpió en la escena Europea al mismo tiempo que sus colegas Nightwish, aunque con diferente éxito.
El power-metal inequívoco heredero directo de otros paisanos suyos como Stratovarius, ha ido evolucionando a lo largo de todos estos años hacia un estilo más abierto en el que la melodía tiene aún más importancia, y también los decorados dispares que beben de las influencias de otra banda referencia para ellos como Queen. Ese índice de teatralidad y esa capacidad melódica multiplicada, han hecho que Sonata Arctica hayan ido perdiendo adeptos con el paso de los años, mientras que por otro lado han atraído a nuevos fans más interesados en su nueva filosofía musical.
«The Ninth Hour» (título de su nueva obra) no deja a nadie indiferente en ese sentido. Opiniones a favor y en contra de un disco de enorme calidad y acabado de fantasía. Metal ultramelódico con un componente de dramatismo teatral que interviene de manera decisiva para hacer de «The Ninth Hour» un trabajo de picos y valles. Nosotros nos posicionamos a favor de él, y por eso es nuestro disco de portada…
(Esta semana en Rocktopia: NIGHTWISH, SONATA ARCTICA, TRICK OR TREAT, IAN PARRY’S CONSORTIUM PROJECT, CHROMATIC POINT, OPERATION: MINDCRIME, VULKAN y KINGS OF THE NORTH)
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Nuestro particular museo de antigüedades para iniciar cada una de las ediciones del programa. Antigüedades más o menos longevas. La que nos va a ocupar hoy data del año 1989, el de la edición de «Flying In A Blue Dream», el disco con el que Joe Satriani cerraba un ciclo de éxitos y reconocimiento desde que irrumpió en el mercado discográfico en 1986, después de abandonar su trayectoria como profesor de luminarias como Steve Vai, Kirk Hammett o Alex Skolnick.
Satriani se había convertido en un guitarrista de moda. Nominado a premios Grammy, adulado como músico de categoría especial. Con “Flying In A Blue Dream” se instalaba definitivamente en los anales de la música Rock, siendo seguramente su álbum más variado hasta la fecha. De hecho, y por primera vez, osaba cantar en algunas canciones del disco. Un álbum en el que se atrevía con el blues, con el funk Rock, con las baladas, con el banjo y con otro tipo de experimentos; llegando al estatus de disco de oro en USA…
Joe Stariani pasó de maestro a estrella, y de mentor en la distancia a recomendador de primera mano. Uno de sus últimos consejos musicales es el joven guitarrista británico Oli Brown cuya banda, RavenEye, ha acompañado a Joe Satriani de gira, significando para ellos un auténtico espaldarazo en su carrera musical, algo que debe ser reforzado tras la publicación de su primer larga duración, el magnífico «NOVA».
RavenEye nacían hace escasamente dos años en la localidad de Milton Keynes. Era la consecuencia natural de las peripecias de Oli Brown, quien con la vitola de nueva promesa del blues de las islas y su insultante juventud comenzó su carrera discográfica sin haber cumplido aún la veintena, consiguiendo en poco tiempo el beneplácito de revistas como Classic Rock o Mojo.
Con la intención de remozar su sonido y sus ideas, RavenEye se puso en marcha en forma de trío y para deleite de los que han tenido oportunidad de verlos en directo. La música contenida en «NOVA» está preparada para ello, con la solidez que da la experiencia en las tablas y la soltura del talento en plena vía de escape. Un amasijo consistente de hard Rock bluesero, con un componente eminentemente moderno y espíritu casi grunge, pero con la capacidad instrumental y vocal del sensacional Oli Brown…
(Esta semana en Rocktopia: JOE SATRIANI, RAVEN EYE, THE APOCALYPSE BLUES REVUE, TRUCKFIGHTERS, RIVERSIDE, D.G.M., EVERGREY y PAIN)
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